Escrita y dirigida por Christopher Nolan, Origen nos presenta a Dom Cobb (DiCaprio), el mayor artista de la extracción: apropiarse de los secretos del subconsciente durante el sueño. Con la oferta de un nuevo encargo más complicado de lo normal (colocar una idea en el subconsciente de alguien sin dejar huella) se le ofrece también la posibilidad de recuperar la vida que tanto anhela junta a sus hijos. No todo será coser y cantar: planeará -capa a capa- un complícadísimo sueño para conseguir su objetivo y, junto con su equipo, tendrá que descender hasta el más profundo y onírico subconsciente en donde pronto descubrirá que no tiene todo bajo control.

Que Nolan es un experto en retratar las complejidades de la mente humana nos quedó claro en Memento, por eso me sorprende que haya olvidado ese entramado prácticamente indescibrable que consiguió tejer en el film anterior: mente, memoria y sueños no tienen porqué comprenderse. Y es precisamente este punto el que podría haber aprovechado para marcarse un tanto y distanciarse de Matrix (película que volverá a la cabeza de la mayoría de los espectadores de Nolan). Si bien Matrix ya nos presentaba un mundo virtual (producto de un programa informático), Nolan apuesta por el mundo de los sueños en el que, según demuestra la mujer del protagonista, se puede vivir perfectamente. Pero el film de los Wachowski tiene más fuerza por su mensaje, por su reflexión, por su crítica a un futuro no inmediato pero sí posible. Origen ha preferido descuidar el fondo para ocuparse de la forma (alucinantes efectos especiales e incomprensibles cálculos matemáticos de relaciones temporales).

En general es un film entretenido (quintado de un par de metros de fotogramas del eterno final), interesante y bastante original. Eso sí, absténganse espectadores con ganas de reflexión.

Ah! Que por qué me recordó a Blade Runner… Pues por esto:

El primer tema que podemos diferenciar es el del cine, presente por las tiras de papel de celuloide, el proyector, la pantalla, el sketch de humor clown, etc. No es de extrañar que Bergman barajase inicialmente un título completamente distinto para su film, El cinematógrafo, pues si algo queda claro es que el director es muy consciente de que está haciendo un estudio sobre el cine y como aparecen las imágenes en él. Seguidamente, y aunque de manera más subliminal, trata el tema del sexo pues, brevemente, nos muestra en un primer momento un pene y prácticamente al final del prólogo una vagina y aunque en la película no veremos ninguna relación sexual explícita sí que se puede interpretar que existe cierta tensión sexual entre las protagonistas; además una de ellas cuenta relaciones pasadas. También se puede identificar la religión o, al menos, ésta reducida a la escena de la crucifixión y, ésta a su vez, al acto de clavar una mano; se respira cierto dolor, angustia y sufrimiento y, sin lugar a dudas, nos remiten a la idea de la entrega y la muerte por los demás. Por último, la muerte, ya que las últimas escenas nos sitúan en un tanatorio y a pesar de que sea un lugar que simboliza el fin de la existencia es allí donde se crean las primeras imágenes de las protagonistas.

Posiblemente, el aspecto más criticable es su conexión poco directa con el film, pues únicamente vemos los rostros de las protagonistas fundirse al final del prólogo. Pero una vez vista la obra entera, podemos crear nuestras propias interpretaciones y entender que el niño desconocido que intenta arroparse no es más que el hijo de la actriz o el que la enfermera perdió en su aborto, que acaricia la pantalla porque añora a su madre.

Como podemos observar la enfermera se entrega a la actriz y, a su vez, emprende una serie de confesiones sistemáticas, y aunque podamos dudar cuál de las dos es la paciente, no cabe duda que tanto la entrega como la confesión son dos actos ligados a la religión.

Interpreto que Bergman está tratando temas que le preocupan tanto como artista y creador (momentos sobre lo cinematográfico) como otros, la religión, el sexo y la muerte, que trascienden a su vida, a su persona.

Según nos cuentan en enelcine.es:

Lo curioso no sólo es el tema, sino que, además, el director del proyecto podría ser el mismísimo David Fincher responsable de  thrillers como Seven, Zodiac o el sobrevalorado Curioso caso de Benjamín Button. El guión sería de escrito por Aaron Sorkin (La guerra de Wilson, Algunos hombres buenos) que recogería en el libreto la creación de esta “comunidad de amigos cibernéticos” por parte de Mark Zuckerberg y su evolución exitosa desde febrero de 2004 como proyecto de universidad hasta la actualidad con millones de usuarios.

A lo que NYDailyNews que el reparto podría contar con Michael Cera y Shia LaBeouf, aunque la ficha de IMDb de The social network sólo confirma a Bethany Carkhuff.

Por si alguien lo dudaba, a los de Facebook, una red con sólo 5 años de vida, les ha tocado la lotería.

En la película encontramos muchas referencias a otros cineastas, desde el tren y la fotografía expresionista que rápidamente asociamos con Fritz Lang, hasta la típica tensión de Hitchcock creada por la bomba, pasando por la unión del Eros y el Tánatos tal y como lo hace Sirk en Escrito sobre lo viento. También es necesario destacar la apertura del film, con una profunda voz en off la cual nos practica una sesión de hipnosis, símil que refleja perfectamente aquello que el director piensa que es el cine, así como la superposición de planos en color sobre otras en blanco y negro cosa que, a pesar de no tener una función específica, hace evidente la voluntad de experimentar: el director juega con todos los elementos formales que le pone al alcance el medio, los mismos que se dedicaría a dinamitar a lo largo de su carrera posterior.

En definitiva, es un film que transcurre a un tren que, a modo de arca de Noé, recoge a los diferentes prototipos de la Alemania de la época, convirtiéndose en una arriesgada metáfora de Alemania. Además, con la figura del protagonista se cuestiona la frontera entre la bondad y la locura.

El director danés nos muestra que en nuestra sociedad todos hacemos imposible la existencia de personas buena porque todos nos movemos por nuestros intereses manipulando a los otros, como hacen con Leo en Europa. Es un tema que también recuperará en films posteriores, como en Rompiendo las olas o en Dogville, dónde la inocente protagonista, personificación de la bondad, no morirá sino que se corromperá y acabará siendo tanto cruel como aquellos que la han (¿la hemos?) maltratado. Quizás la visión del cineasta sobre la sociedad es así de negativa, o quizás es una advertencia, pero el que no podemos dudar es que a angustia que este tema provoca en el director acaba invadiéndonos y, con un malestar general, nos invita a la profunda reflexión.

Shyamalan retoma sus temas preferidos, la familia y la sociedad masificada para elaborar una potente crítica a la sociedad de los tiempos que corren. Si bien en El bosque los aldeanos de aquella comunidad hermética habían decidido instaurar el miedo para  conservar una pureza que la sociedad había perdido, parece que ahora es la naturaleza la que se vuelve contra el hombre y lo aterroriza para advertirle de que su paso por la tierra está siendo destructivo. Shyamalan no se detiene en la crítica a la sociedad culpable del cambio climático y muchos otros desastres, va más allá y aprovecha para arremeter contra la sociedad americana por su facilidad para despertar la teoría de la conspiración, especialmente teniendo en cuenta el contexto post-11S, considerando desde el primer incidente que son víctimas de un ataque terrorista. Como hemos comentado el director recupera el tema de la esperanza en formar un núcleo familiar y, de nuevo, observamos la ausencia de la madre (de Jess), otra constante del cine del director indio.

Otro aspecto conviene destacar es que el director consiga apartarse de excesivos efectos especiales para crear en el espectador el suspense y la intriga necesarios: con el simple movimiento de las hojas de los árboles agitadas por el viento el espectador entra en tensión, sabe que los acontecimientos se van a repetir.

En definitiva, El incidente es un film que destaca por su sencillez, y no por ello dejadez, tanto visual como narrativa, el largometraje va directamente donde pretendía.  Una buena oportunidad para reflexionar sobre nuestro paso por la Tierra culminada con un inquietante final.

A partir de este momento el espléndido Alejandro Amenábar entrelaza dos tramas situadas en diferentes tiempos. Por un lado nos presenta al joven deformado que intenta rehacer su vida y conseguir a Sofía. Por otro lado, vemos a César encerrado en una institución psiquiátrica por haber cometido un crimen y como su psicólogo intenta averiguar qué pasó.

Amenábar va dejando pistas que los espectadores pasan por alto y va tirando de la narración hasta que el espectador es consciente de que está frente a una división, unos mundos paralelos, una realidad virtual o imaginaria. César ha recuperado su bonito rostro pero Nuria sigue vive o resulta que es Sofía. ¿Se ha vuelto loco César? En todo este confuso universo, el director aprovecha para regalarnos planos de ciudades cementerio, completamente desiertas, o escenas que parecen bucles, siempre volviendo a empezar en la cama pero cada vez con mayor miedo de recorrer el camino hasta el espejo porque no sabemos qué vamos a ver en él.

Según se acerca el final del film, parece que César entiende por qué su mundo está mal programado y Nuria es Sofía. Resulta la cirugía estética no estaba tan avanzada en el momento de su accidente por lo que decidió someterse a la criogenización, congelar su cuerpo para ser descongelado en el momento en que fuese posible reconstruir su cara. Durante su congelación, el cree seguir viviendo en un universo creado a partir de sus recuerdos, pero un fallo de los “creadores” hizo confundir a la mujer de su vida en su acosadora y suicida ex, empujándolo a vivir una auténtica pesadilla.

El calvario y confusión que César vive es comparable a la incomprensible realidad en la que Scottie en Vértigo de Hitchcock se ve atrapado. Para despertar de este inquietante sueño, el protagonista tendrá que dejar de lado cualquier tipo de vértigo y saltar desde lo alto de un edificio. Al igual que en el comienzo de la película escuchamos una dulce voz: Abre los ojos, abre los ojos, abre los ojos.
Abre los ojos es, en definitiva, un inquietante film que ataca temas como la superficialidad y la envidia; consigue introducir espectador en esta vertiginosa espiral de ciencia ficción.

La historia de Brandon comienza cuando decide dejar atrás su ciudad natal, Licoln, y con ello el tradicionalismo y el poco amor que su familia le ha mostrada. Su huída termina en Falls City, donde conoce a gente que la acepta como un chico más. Allí conocerá a la explosiva y alocada Lana, de quien se enamorará perdidamente. Pronto inician una relación sin ningún tipo de prejuicio, basada en el amor verdadero.

La tormenta se acerca y parece que trae consigo la agresividad conservadora que Teena creía haber dejado en Licoln. Al descubrir la verdadera historia de Teena Brandon los “machos” de la película entran en acción y abusan de ella frente Lana. Como es evidente la historia no puede terminar bien y, después de ridiculizar a la protagonista, la asesinan.

Esta película independiente, apartada de todo lo hollywoodiense, es un buen ejemplo de que no es necesario disponer de un presupuesto altísimo si la historia es buena. En este caso, a parte de la historia, la magistral interpretación de los actores ayuda a que no echemos en falta ningún efecto especial grandioso. El film nos presenta una realidad que urge ser mostrada y, al igual que hace von Trier en sus películas, consigue que el espectador se angustie. El espectador observa las dos caras de la misma moneda, los que sufren y los que hacen sufrir e, inevitablemente, sabe que en ocasiones su carácter podría llevarlo a actuar igual que los que hacen sufrir.

En definitiva, la película nos muestra la búsqueda de la felicidad personal y la búsqueda de la identidad, sin olvidar que durante el recorrido de estos caminos no estamos solos: aquellos que se cruzan en nuestras vidas pueden facilitar nuestro trayecto o entorpecerlo y es justamente este segundo caso el que Boys don’t cry denuncia: los intolerantes que llevan su ideología al extremo impidiendo que todos aquellos que no se rijan por su misma esquema merezcan alcanzar su meta, ser felices.

Esta dosis de tolerancia intravenosa hará que a más de uno se le ponga la piel de gallina, y más aún cuando se muestre, astutamente en el final, el as de la manga: basado en hechos reales. Un amargo chute de realidad.

El hijo menor de sus vecinos, Thao, presionado por la banda de malotes de su primo tendrá que superar un reto para unirse a esta pandilla de chicos duros: tendrá que robar el coche del viejo americano. Walt sorprende al joven en su garaje y lo devuelve a su familia: sus prejuicios aumentan, pero no por mucho tiempo pues, pronto descubre a Thao siendo golpeado por los amigos de su primo por negarse a aceptar otra prueba; Walt interviene y la familia del joven, en forma de agradecimiento, obligarán al pequeño a ayudarle en sus tareas. Empieza a establecerse una conmovedora relación paterno-filial entre ambos que se verá fortalecida por las circunstancias: la banda del primo abusa y maltrata a la hermana de Thao, Sue. El personaje de Eastwood se ve moralmente obligado a intervenir: elabora un plan mediante el cual el grupo de amigos del primo le disparará sin piedad al pensar que es él quien va a atacar, cuando en realidad sólo estará sacando el mechero y así, la justicia tendrá motivos para encarcelar a estos bandidos.

Aunque la comparación con un western puede parecer un poco arriesgada hay elementos que nos pueden llevar a considerarlo como tal, eso sí, situado en la ciudad: encontramos la voluntad del sacrifico, la soledad del héroe, la amenaza con la venganza, etc. En este western el vaquero está rodeado de indios, pero como él mismo irá descubriendo tiene mucho más en común con ellos que con su propia familia.

Al mismo tiempo es necesario destacar el acto del sacrificio, el cual conecta directamente con el relato bíblico de la entrega de Jesucristo para salvar a los Hombres. Es curioso, pues, observar que cuando cae muerto queda con los brazos extendidos, en forma de cruz, tal y como murió Jesús.

Los espectadores somos tanto el joven Thao aprendiz que necesita saber cómo enfrentarse a sus enemigos y, al mismo tiempo, el Walt lleno de prejuicios que nos conducen a rechazar a los demás.
Gran Torino es, entre otras muchas cosas, una reflexión sobre la necesidad cuestionar nuestros prejuicios, una lección sobre tolerancia, entrega incondicional, y la necesidad de controlar nuestros impulsos y sed de venganza. ¿Un western bíblico?